Живопись и скульптура Возрождения

6 Июн 2014 | Автор: | Комментариев нет »

План:
Введение …………………………………………………………………………с.3
§1. Скульптура в эпоху Возрождения …………………………………………с.4
§2. Живопись эпохи Возрождения
2.1. Художники итальянского Ренессанса ……………………………….с.10
2.2. Живоспись северного Ренессанса …………………………………….с.15
Список литературы ……………………………………………………………..с.19

Введение
Возрождение (франц.- «Ренессанс», итал. - «Ринашименто») - явление культурного развития ряда стран Центральной и Западной Европы, вызванное начавшимися процессами постепенного перехода от феодальных отношений к капиталистическим. Хронологически эпоха Возрождения охватывает период XIV-XVI вв. При этом до конца XV в. Ренессанс оставался в основном итальянским явлением. Термин «Возрождение» был впервые введен в XVI в. известным итальянским художником, архитектором и историком искусства Джордже Вазари (1511-1574). Под ним понималось всестороннее развитие нового искусства, основанного на изучении природы и возрождении античной культуры.
Это было время, нуждавшееся в титанах мысли, духа, учености, и эпоха Возрождения породила таких титанов. Она дала человечеству целый ряд выдающихся ученых, мыслителей, изобретателей, путешественников, художников, поэтов, деятельность которых внесла колоссальный вклад в развитие общечеловеческой культуры. Таким образом, Ренессанс принес глубокие перемены во все области жизни общества своей эпохи.
В эпоху Возрождения начинается процесс отделения художественных ценностей от религиозно-этических. Устанавливается новое отношение к искусству как особой области человеческой деятельности, которая не исчерпывается религией. Искусство стало пониматься как область со своим собственным порядком, несводимым к сверхприродным истинам. Художники Возрождения не только наблюдали и воспроизводили натуру, они изучала ее и устанавливали закономерности. Важнейшим достижением искусства Возрождения было открытие перспективы. Открытие перспективы изменило видение мира. Или, вернее, новое видение мира привело к открытию новых принципов построения художественного произведения.
Искусство Возрождения обращалось не к избранным, способным понимать многовековую традицию языка символов, а к любому зрителю, имеющему навыки видеть красоту мира и человека. Язык искусства Возрождения был понятен массам. Возрождение создало особую атмосферу эстетизма, недаром его называют «золотым веком» европейского искусства. Жажда эстетического наслаждения и переживания отличают Возрождение от всех эпох.
Самой яркой страницей Возрождения стало искусство, особенно живопись и скульптура.

§1. Скульптура в эпоху Возрождения

У истоков изобразительного искусства и прежде всего скульптуры стоит Никколо Пизано, творчество которого, особенно ранний период (Проторенессанс), отмечено печатью античности. Но Никколо, в отличие от своих предшественников, пытался акцентировать внимание на пластичности и объемности форм, придать им весомость и телесность, возродить чувство земной красоты. Наиболее прославленным произведением этого мастера является кафедра баптистерия в Пизе (ок. 1260 г.), которая предназначалась для выступлений священнослужителей и проповедников. Здесь характерно присутствие скульптуры — библейские сюжеты и символы поверженных пороков и зла в виде скорченных человечков.
В рельефных изображениях кафедры поражает то, что все фигуры и символы носят светский характер, и хотя мы видим сюжеты священной истории, нам кажется, что это сцены из обычной, земной жизни.
Ученик Пизано — Арнольфо ди Камбио явился для своего времени — периода Проторенессанса — выразителем главных идей Возрождения, так как его скульптуры, как никакие другие, отличались такой монументальностью и величием, что создавали впечатление просто нечеловеческой мощи. Основные работы Камбио — это статуя Карла Анжуйского, надгробия в Риме (церковь Сан Джованни ин Латерано, надгробие кардинала Аннибальди) и Орвиенто (церковь Сан Доменико, надгробие кардинала де Брей).
Самым значительным скульптором начала XIV в. был Андреа да Понтедера, прозванный Пизано, так как он являлся учеником Джованни Пизано. Его главное произведение: бронзовые двери флорентийского баптистерия (южные двери), украшенные двенадцатью рельефами на сюжеты Иоанна Крестителя и восемью фигурами добродетелей. В готическом изгибе фигур, в складках одежды, лаконичности композиции, выразительности и ясности действия проявляются основные принципы Проторенессанса.
Раннее Возрождение характеризуется более смелым новаторством и постепенным изживанием канонов. Так, например, Лоренцо Гиберти шел по пути компромисса, сочетая традиционные черты со смелым реализмом, где вера в Бога, духовность, стремление к совершенству человеческого тела, души и разума тесно взаимосвязаны.
Гиберти имел много общественных заказов — в том числе и на статуи в соборе Санта Мария дель Фиоре, в которых явно просматривается рождение свободной монументальной скульптуры.
Лоренцо Гиберти был одним из самых образованных людей своего времени. До нас дошли его «Комментарии» — первая автобиография художника Возрождения, в которой можно найти сведения об истории искусства, о теории пропорции и перспективы. Мастер был знаком с произведениями древних ученых -  Плиния Старшего и Витрувия.
Начало расцвету Возрождения положил Донателло, который в большей степени, чем другие скульпторы, отличался новаторскими идеями. Его произведения выражали основные убеждения эпохи — гуманистические идеалы, стремление к совершенствованию, к разносторонности личности и яркой индивидуальности. Донателло разрешил проблему устойчивости скульптурной фигуры, разработал принципы, которые передавали тяжесть и массу тела. Он возродил изображение наготы, которая вызывала чувство восхищения человеческим телом и его совершенством; положил начало скульптурному портрету; отлил первый бронзовый памятник; создал новый тип надгробия.
Основными произведениями мастера являются: мраморный «Давид» (выражение героического образа); фигура сидящего Иоанна Евангелиста (которая создает впечатление свободы, раскрепощенности и в то же время великой внутренней силы); статуя святого Марка в церкви Ор Сан Микеле (впечатление живого тела).
Донателло разработал новый вид рельефа, в котором впечатление пространства создается не за счет дистанции между сильно выступающими и невысокими частями скульптуры, оно как бы уходит в глубину.
До номах дней дошел и первый отлитый в бронзе памятник Возрождения — статуя Гаттамелаты, образ которого отличается яркой индивидуальностью.
Донателло являлся и одним из первых основателей скульптурной группы, которая по сложности и монументальности отличается от статуи. Мастер создает свободно стоящие скульптуры, в которых чувствуется действие и свобода, как, например, «Юдифь и Олоферн».
Высокое Возрождение характеризуется гармоничным объединением искусств, где предполагается равноправие скульптуры с живописью и архитектурой. С новой силой развиваются такие жанры, как портрет, историческая скульптура.
Именно в это время творит Леонардо да Винчи - живое представление эпохи Возрождения о совершенной и гармонической личности. Как писал о нем известный биограф: «Он был до такой степени исключителен и всеобъемлющ, что, по справедливости, можно было назвать его чудом природы, которая не только изобильно одарила его телесною красотою, но и сделала его обладателем многих редких способностей». Во всех своих начинаниях этот мастер был исследователем, первооткрывателем, выразителем гуманистических идей. Так как Леонардо да Винчи был в большей степени поглощен научными интересами, скульптурных и живописных работ он оставил немного. Но те произведения, которые дошли до наших дней, являются символами эпохи Возрождения.
Прежде всего это статуя Франческо Сфорца в Милане, которая не была отлита в бронзе и представляла собой глиняную модель в натуральную величину. Именно в этой работе прослеживается поиск мастером динамики, свободы и величия. Этот памятник был уничтожен, но за недолгое свое существование он снискал всеобщее восхищение, и, по словам Вазари, «те, кто видел огромную глиняную модель, утверждают, что никогда не видели произведения более прекрасного и величественного». За грандиозность замысла, огромные размеры современники прозвали статую «великим колоссом».
В большей степени развитию скульптурного искусства Высокое Возрождение обязано Микеланджело, в работах которого отразился не только высокий дух эпохи, но и все противоречия того времени.
Этот мастер, подобно многим великим людям Ренессанса, отдавал предпочтение нескольким искусствам — живописи, архитектуре, поэзии, но истинным своим призванием он считал искусство ваяния и, подписывая письма и бумаги, ставил перед своим именем слово «скульптор».
Микеланджело отличался пластическим мышлением, чувствовал особую выразительность объемных форм и многие явления, действия, даже слова видел в объемности и живости.
Все произведения Микеланджело Буонарроти: скульптуры, фрески, архитектурные строения - являются титаническими по своему характеру, их свобода безмерна и уникальна.
И даже в первых его скульптурах — «Мадонна у лестницы» (которую он создал в 16 лет) и «Битва кентавров» — очевидна сила и мощь самого мастера, который демонстрирует полную свободу владения резцом и по собственному замыслу трактует известные сюжеты. Глядя на эти, впрочем как и на другие скульптуры Буонарроти, можно с уверенностью сказать о том, что камень, мрамор и другие материалы были для мастера живыми средствами его творчества, которые «изначально» содержали в себе образы, идеи, взгляды, и Микеланджело только оставалось освободить эти скульптуры от ненужных частей. Безусловно, такая работа была титанической и требовала не только большой физической, но и духовной силы.
Мастер работал как над общественными, так и частными заказами. Среди них выделяются: скульптурная группа «Пьета» («Оплакивание»),   «Мадонна   Таддеи», «Мадонна Питти».
Работая над скульптурами данной тематики, автор чувствует себя «освободителем» удивительного образа Матери Иисуса Христа из «диких и твердых» глыб; борется с камнем, постоянно преодолевая сопротивление.
Именно Микеланджело создает статую Давида - удивительный образ, который становится символом идеального, гармоничного героя, уверенно сражающегося с любыми врагами.
Являясь символом эпохи Возрождения, Микеланджело представляет собой личность, которой стремились подражать люди многих поколений, вырабатывая в себе такую же силу духа, характер, развивая творческие способности и веру в человека. Буонарроти был прав, когда писал:
Я" словно 6 мертв, но, миру в утешенье, Я тысячами душ живу в сердцах Всех любящих, и, значит, я не прах И смертное меня не тронет тленье...
Скульптура других стран эпоха Возрождения, так же как и другие «иды искусства, несет на себе отпечаток национальных идей и развивается по-разному.
Скульптуру Испании представляет крупнейший мастер Алонсо Берругете, который учился у Микеланджело и некоторое время жил в Италии.
Соединив принципы итальянского Возрождения и испанской культуры, Берругете создает произведения, отличающиеся яркостью, сочностью и декоративностью. Это надгробия, резьба церковных сидений, а также человеческие фигуры, которые отличаются удлиненностью, напряженностью поз, порывистыми жестами, выражением четких и различных эмоций на лицах (скорбь, радость, страдание, страсть).
Особой самобытностью отличается деревянная скульптура, потому что в ней автор использует яркую раскраску с применением золота.
Нидерландская скульптура развивалась переплетаясь с французской, и крупнейшим мастером, который завершил это развитие, был Клаус Слютер. Его мастерство послужило основой для последующего расцвета нидерландского искусства. Он совершил переворот в пластике, создал монументальные, отличающиеся суровой выразительностью и реализмом скульптуры. Они уже не полностью подчинены архитектурным ансамблям и могут выполнять самостоятельную роль. Таковы, например, статуи герцога Филиппа и его жены Маргариты Фландрской на портале церкви — усыпальницы бургундских герцогов в монастыре Шанмоль близ Дижона.
Особое развитие в Нидерландах этой эпохи получила скульптура из дерева, которую часто использовали в религиозных сюжетах.
Во Франции традиции Возрождения в скульптуре с трудом пробивали себе дорогу, так как в этой стране очень стойкими оказались консервативные готические традиции. Основную роль в скульптуре играет школа Клауса Слютера и его учеников, особенно в исполнении надгробий. Среди ряда гробниц своей оригинальностью и суровым величием выделяется гробница Филиппа По, в которой саркофаг заменен катафалком, поддерживаемым восемью большими фигурами плакальщиков.
Очень большое распространение получает статусная скульптура (статуи Мадонны и различных святых).
Таким образом, именно эпоха Возрождения придает скульптуре такие качества, как самостоятельность и независимость от архитектуры и живописи. Происходит развитие практически всех специфических разновидностей скульптуры и тесное переплетение ее с живой и неживой природой. Скульптура становится выразителем телесной и духовной красоты человека, его гармоничности и совершенства.
Именно этот вид искусства как бы стирает глубокие противоречия между церковью и светской жизнью, так как в произведениях любой тематики на первое место ставится человек, который стремится к всеобъемлющей любви, самосовершенствованию и самораскрытию.

§2. Живопись эпохи Возрождения

Живопись эпохи Ренессанса является основным доказательством широты, совершенства и гуманистичности основных взглядов. Именно она и передает противоречия развития, подъема и утверждения новых традиций и мировоззрений.
2.1. Художники итальянского Ренессанса

Очень трудно выбрать отдельные имена, говоря о творчестве художников итальянского Возрождения. И не только потому, что их было очень много, но и главным образом потому, что даже средний уровень итальянского искусства этой эпохи был очень высоким.
Проторенессанс (XIII - начало XIV вв.) - преддверие Возрождения, когда в искусстве только появляется новое. Проторенессанс утверждается в городах провинции Тоскана - Пизе, Сиене, Флоренции.
Искусство Проторенессанса отличалось прежде всего тем, что имело силы для преодоления средневековых и античных традиций, являя собой новое прочтение и интерпретацию уже известных сюжетов.
Так, например, Пьетро Каваллини — крупнейший мастер периода Проторенессанса, заложил основы нового направления в живописи. Опираясь на позднеантичные и раннехристианские памятники, он возродил традицию повествовательной монументальной живописи. Основная особенность творчества Каваллини состоит в том, что он стремился преодолеть плоскостность форм, которыми отличалось средневековье. Он не отходит от традиционной иконографии, но добавляет светотень, добиваясь округлости, пластичности форм, что сближает святые образы с образами обычных людей.
Джотто ди Бондоне (1266/76-1337) - основоположник европейской живописи, родоначальник реализма.
Основные работы Джотто — фрески. Объясняется это тем, что в Тоскане в это время шло большое строительство дворцов и церквей. Художники делали в них росписи, поэтому фреска и стала главным видом их творчества. Самые знаменитые фрески Джотто находятся в Капелле дель Арена в Падуе. Они написаны такими сияющими красками, что и сейчас, 700 лет спустя, капелла похожа на ларец, усыпанный драгоценными камнями. В капелле размещено 37 картин на библейские темы: «Поклонение волхвов», «Поцелуй Иуды», «Иоаким у пастухов» и другие. Следует особенно отметить изображение художником жизни и страданий Христа.
Расстановка фигур в пространстве, четкость их очертаний, простота жестов, использование архитектуры и пейзажа в качестве дополнительных элементов — вот основные особенности фресковой живописи этого художника.
Не владея законами перспективы и допуская неточности в анатомии, Джотто умел передать ощущение пространства, придать фигурам объемность. Он был не только живописцем, но и выдающимся архитектором.
Раннее Возрождение (конец XIV-XV вв.) было представлено плеядой блестящих художников: Мазаччо (1401-1426), Донателло (1386-1466), Доменико Гирландайо (1449-1494), Пьетро Перуджи-но (1445-1523), Сандро Боттичелли (1445-1510) и десятки других выдающихся художников, полотна которых украшают музеи мира.
Творчество Мазаччо открывает XV век, который был веком высшего расцвета флорентийского искусства. Мазаччо расписал во Флоренции небольшую капеллу Бранкаччи (названную по имени заказчика), ставшую образцом и школой для нескольких поколений итальянских мастеров. Тема фресок взята из легенды о жизни апостола Петра. Но на торцовой стене входной арки художник поместил фреску «Изгнание из Рая». Здесь впервые после эпохи античности было показано обнаженное человеческое тело, впервые в живописи была передана объемность, весомость фигур. Мазаччо первый стал передавать пространство на плоскости при помощи линейной перспективы (в этом сказалось влияние Брунеллески). Он не нагромождает фигуры рядами, как это делалось раньше, а располагает их на разном расстоянии в зависимости от удаленности от зрителя. Вместе с тем Мазаччо сумел выразить драматизм ситуации, найдя точные характеристики персонажей.
Нельзя не назвать еще одного прекрасного художника той поры, человека яркого, самобытного дарования и трагической судьбы — Сандро Боттичелли. Боттичелли написал большое количество живописных полотен, сделал иллюстрации к «Божественной комедии» Данте, но самые знаменитые его картины — «Весна» и «Рождение Венеры». Это первая большая (172х278) картина эпохи Возрождения на античную тему. Появление живописи нецерковного содержания было приметой времени. Цветовой строй картины сдержан, рисунок изыскан и точен. Поза богини, плывущей на раковине,— целомудрена: руками она прикрывает свою наготу. Вся она — воплощение женственности, грации, красоты.
Впоследствии увлеченный идеями проповедника Савонаролы Боттичелли отрекся от своего творчества, сжег оставшиеся у него картины, порвал с античными сюжетами и стал писать картины на религиозные темы. Умер он в изгнании, всеми забытый, переживший свою славу. Его открыли вновь в конце XIX-начале XX вв., и искусство его оказалось созвучным французским импрессионистам — Эдуарду Манэ и даже Модильяни.
Конец XV и начало XVI вв. называют «Высоким Возрождением», а первые десятилетия XVI столетия «золотым веком» Ренессанса.
Высокое Возрождение освещает творчество трех великих титанов, гениальных художников — Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти и Микеланджело Буонарроти.
Человеком фантастического ума и художественного гения был Леонардо да Винчи (1452—1519). Его феноменальная исследовательская мощь проникала во все области науки и искусства. Даже спустя столетия исследователи его творчества изумляются гениальности прозрений величайшего мыслителя. Леонардо был художником, скульптором, архитектором, философом, историком, математиком, физиком, механиком, астрономом, анатомом... До нас дошли его многочисленные рисунки и чертежи с проектами токарных станков, прядильных машин, экскаватора, подъемного крана, литейного цеха, гидравлических машин, приспособлений для водолазов и т. п. Мечтая о полете, Леонардо изучал, зарисовывал, рассчитывал все, что связано с полетом птиц и насекомых. Результатом этих исследований явились рисунки и расчеты самолета, вертолета, парашюта... Трудно даже перечислить все то, над чем работал гениальный мыслитель и творец и к каким результатам он пришел.
Среди безграничного множества своих интересов на первое место Леонардо ставит живопись. Леонардо да Винчи написал много картин. Среди них - «Мадонна с цветком» («Мадонна Бенуа»), «Мадонна Литта», «Дама с горностаем», «Мария с младенцем» и многие другие. Его мадонны — прелестные юные женщины, лица которых освещены любовью и любованием своим младенцем. Они различаются по характеру, по типу личности; но все они прекрасны естественной женственностью, земной красотой. Все работы Леонардо превосходны и все же самые известные его творения — «Тайная вечеря» (1495-1498) - роспись стены трапезной миланского монастыря Санта Мария делле Грацие, ставшая этапной работой в научных изысканиях автора и новым словом в изобразительном искусстве; портрет жены купца Джоконде Моны Лизы (ок. 1503), с ее неразгаданной, таинственной улыбкой. Эту улыбку пытались повторить на холсте многие последователи художника, но никому это не удалось. В портрете Моны Лизы художник решил задачу, предвосхищавшую грядущие устремления изобразительного искусства: им было запечатлено не одно какое-нибудь состояние человека, а сложный процесс его духовной жизни. И вот уже пять веков «Мона Лиза» вдохновляет поэтов, музыкантов, художников, порождает домыслы, провоцирует подделки и кражи.
Синтез традиций античности и духа христианства нашел наиболее яркое воплощение в творениях гениального художника Возрождения Рафаэля Санти (1483-1520). В его творчестве получили решение две важнейшие проблемы изобразительного искусства: изображение пластического совершенства человеческого тела, выражающего духовное богатство и гармонию внутреннего мира человека, и построение сложной многофигурной композиции.
Всю жизнь Рафаэль искал совершенный, гармоничный образ, воплощая свой замысел в изображении Мадонны («Мадонна Конестабиле», «Мадонна в зелени», «Мадонна с щегленком», «Мадонна в кресле»). Вершиной рафаэлевского гения стала «Сикстинская мадонна» (1515-1519). Автору удалось создать образ идеально прекрасной женщины с младенцем Христом на руках, которого она отдает в жертву во искупление человеческих грехов.
Совершенная по композиции картина создает ощущение удивительной гармонии. Это одно из самых выдающихся произведений мирового изобразительного искусства по художественному языку, колориту, пластике, ритму, композиции.
Рафаэль работал в различных жанрах. Он и автор знаменитых фресок («Афинская школа», «Парнас», «Изгнание Элиодора», «Месса в Больсене», «Освобождение апостола Петра из темницы» и др.) и величайший портретист своего времени. Им написаны работы, в которых индивидуальные черты слиты воедино с типическими, характеризующими образ эпохи («Портрет Юлия II», «Лев X», «Портрет кардинала», «Дама с вуалью» и др.).
Третий титан Возрождения — Микелапджело Буонарроти (1475-1564).
Живопись  Микеланжело отличается тем, что все образы человеческой мощи, силы, уверенности характеризуются титаническим, удивительным по выражению и стилю характером. Известны такие его произведения, как: «Битва при Кашинах», «Святое семейство», фрески Сикстинской капеллы, работая над которыми Микеланджело частично потерял зрение и долго не мог восстановить здоровье.
Поздние работы художника отличаются трагичностью, большой отрешенностью от всего земного, поисками нового пути развития.
Искусство высокого Возрождения, безусловно, не исчерпывается известнейшими именами. Одновременно с ними в Италии работали Фра Бартоломее, Андреи дель Сар-то, Корреджо, Джорджоне, Тициан.
На живопись других стран Европы (северный Ренессанс) итальянское Возрождение наложило своеобразный отпечаток: все принципы и идеи культуры данной эпохи обогащаются национальными традициями. А специфика Возрождения в целом усматривается лишь в отдельных деталях и мыслях, которые, без сомнения, носят свободолюбивый, гуманистический характер.

2.2.Живоспись северного Ренессанса

На искусство северного Ренессанса серьезное влияние оказало средневековое мировоззрение. В нем больше религиозного чувства, символики, оно более условно по форме, более архаично, более связано с готикой и, естественно, менее знакомо с античностью, с которой и сблизилось только через Италию уже в конце XV в. Северный Ренессанс запаздывает по отношению к итальянскому на целое столетие и начинается тогда, когда итальянский вступает в высшую фазу своего развития.
Анализируя развитие живописи других стран, необходимо отметить, что каждая из национальных культур возрождала и совершенствовала свою традицию.
Так, например, в Испании главной особенностью живописи было стремление передать индивидуальный облик человека, достоверно изобразить окружающие предметы.
В Испании живопись развивается по тернистому пути, и единственный светский жанр, который получил распространение в этой стране - это портрет.
Особое место в живописи эпохи Возрождения занимает Эль Греков, которого называли гениальным колористом. Его работы очень динамичны, беспокойны, отличаются нервным ритмом движения, тревожным мерцанием света и пристрастием к неожиданным ракурсам. Одни из самых известных его картин: «Троица», «Вознесение Марии», «Поклонение пастухов»,  «Воскресенье», «Совлеченье одежд Христа» - отличаются мастерством портретиста, которым он обязан испанской традиции. Его произведения сдержанны, просты, четко передают индивидуальные черты модели.
В Нидерландах яркими представителями культуры Возрождения являлись братья Губерт и Ян вон Эйки. В их живописи есть важные специфические для нидерландского Ренессанса черты: они передают мир с необычайной тщательностью и подробностью: каждая травинка, каждый кусок ткани представляет для них высокий предмет искусства. В этом сказались принципы нидерландской миниатюры. Ван Эйки усовершенствовали масляную технику: масло давало возможность более разносторонне передать блеск, глубину, богатство предметного мира. Из многочисленных мадонн Яна ван Эйка наиболее известна «Мадонна канцлера Роленна». Ян ван Эйк много и успешно занимался портретом, создавая глубоко индивидуальный образ, но не теряя за деталями общую характеристику человека как основной части мироздания («Человек с гвоздикой», «Человек в тюрбане»). Вместо активного действия, характерного для портретов итальянского Возрождения, ван Эйк выдвигает созерцательность как качество, определяющее место человека в мире, помогающее постичь красоту его бесконечного многообразия.
Живопись братьев ван Эйков явилась основой для дальнейшего развития нидерландского Возрождения. Следующим шагом после искусства ван Эйков было постижение духовной сути человека, и в этом нидерландское искусство обязано Рогцру вон дер Вейдену (1400?-1464). Одним из Известнейших его произведений является «Снятие с креста».
Вершиной нидерландского Ренессанса было, несомненно, творчество Дитера Брейгеля Старшего. С именем Брейгеля связывается окончательное формирование пейзажа в нидерландской живописи как самостоятельного жанра. Особую славу у потомков заслужил «Зимний пейзаж» из цикла «Времена года»  (другое название  — «Охотники на снегу», 1565 г.): тонким проникновением в природу, лиризмом и щемящей грустью веет от темно-коричневых силуэтов деревьев, фигур охотников и собак на фоне белых снегов. Превосходны по силе выразительности   трагические   картины Брейгеля — «Вифлеемское избиение младенцев» (1566 г.) на религиозный сюжет и «Слепые», одна из последних картин художника (1568 г.). Пять обреченных судьбой страшных калек, не понимая, что с ними происходит, летят в овраг вслед за оступившимся вожаком. «Слепые», несомненно имеют символическое значение.
Своеобразным, субъективным мироощущением и непохожестью на общее отличается творчество Иеронимуса Босха. Одни считают его еретиком, другие - религиозным ортодоксом, третьи - мрачным мизантропом, четвертые - человеком с очень развитым ироничным складом ума, веселым насмешником, пятые - безумцем с болезненным воображением, шестые - мистиком. Но понять творчество этого художника можно лишь через противоречия эпохи Возрождения в целом, и конкретной страны в частности. Через осмысление действительности, через знакомство с религиозными, нравственными, политическими течениями данной эпохи раскрывается смысл картин Босха. Как художник, он пользовался признанием современников и в конце жизни получал заказы от Бургундского двора.
Босх как бы стоит на грани двух великих эпох европейской культуры: средневековья и Ренессанса. И все противоречия эпохи воплотились в творчестве мастера. Как и у всех художников Возрождения, у Босха очень велико стремление познать и отразить реальность окружающего нас мира. Его искусство характеризуется стремлением охватить мир целиком, познать и выделить многообразие всех его форм, отсюда на картинах все «великолепие» органического и мертвого пространства. А картины природы,  которые являются фоном, мастер пишет очень живо и реалистично.
С расцветом немецкого гуманизма, светских наук, немецкой культуры совпало творчество самого крупного художника немецкого Возрождения Альбрехта Дюрера (1471-1528). В творчестве Дюрера слились искания многих немецких мастеров: наблюдения над природой, человеком, проблемы соотношения предметов в пространстве, существование человеческой фигуры в пейзаже, в пространственной среде. По разновидности, по масштабу дарования, по широте восприятия действительности Дюрер — типичный художник высокого Возрождения, но его идеал человека отличен от итальянского. Глубоко национальные образы Дюрера полны силы, но и сомнений, иногда тяжких раздумий, в них отсутствует ясная гармония Рафаэля или Леонардо. Художественный язык усложнен, аллегоричен. Три самые  знаменитые   гравюры  Дюрера: «Всадник, смерть и дьявол», «Св. Иероним» и «Меланхолия». В этот же период он пишет свои лучшие портреты близких ему по духу представителей немецкой интеллигенции: художника ван Орлея, графический портрет Эразма Роттердамского — образы психологически выразительные и чеканно-лаконичные по форме. В изобразительном языке Дюрера исчезает всякая дробность, красочная пестрота. Портреты цельны по композиции, пластичны по форме. Высокое одухотворение отличает каждое лицо, так художник сочетает идеальное    начало    с    конкретно-индивидуальным. Как истинный представитель ренессансной эпохи, подобно многим итальянским художникам, Дюрер оставил после себя значительные теоретические труды: «Руководство к измерению» — трактат о пропорции и перспективе, «Учение о пропорциях человеческого тела».
Ганс Гольбейн Младший (1497-1543). Самая сильная часть творчества Гольбейна — портреты, написанные всегда с натуры, остроправдивые, но изысканные по колористическому решению. Продолжателем лучших дюреровских традиций в области пейзажа был художник Альбрехт Альтдорфер (1480-1538), мастер необычайно тонкий и лиричный, в творчестве которого пейзаж сложился как самостоятельный жанр. Последний художник немецкого Ренессанса — Лукас Кранах (1472-1553) близок Альтдорферу в изображении природы.
Французский Ренессанс носил характер придворной культуры. Первый крупный художник французского Возрождения — Жан Фуке (около 1420-1481), придворный живописец Карла VII и Людовика XI. Античные и ренессансные мотивы появляются в рельефах Мишеля Коломбо (1430/31-1512). В жанре портрета особенно прославился Жан Клуэ (около 1485/88-1541), придворный художник Франциска I, окружение которого, равно как и самого короля, он увековечил в своей портретной галерее.
В целом живопись эпохи Возрождения характеризуют следующие черты:
— широкое распространение монументальной фресковой живописи, станковой живописи,
— использование античных сюжетов, которые перерабатываются в соответствии с гуманистическими идеалами,
— определенная рационалистичность, которая выражается в постоянном поиске мастерами научных основ искусства

Список использованной литературы

1.Ильина Т.В. История искусств. Западноевропейское искусство. – М.: Высшая школа,1993.
2.История культуры стран Западной Европы в эпоху Возрождения: Учеб. для вузов / Л.М. Брагина, О.И. Варьяш, В.М. Володарский и др.; Под ред. Л.М. Братиной. - М.: Высш. шк., 1999.
3.История мировой культуры: наследие Запада: Античность. Средневековье. Возрождение: курс лекций / Под ред. С.Д. Серебряного. – М.: Российский гос.  гуманит. ун-т,1998.
4.Культура эпохи Возрождения и средние века. – М.: Наука,1993.
5.Макаи Ласло. Мир Ренессанса. – Будапешт: Корвина,1980.
6. Мировая художественная культура. – М.: Издательский центр АЗ,1996.

(23.1 KiB, 30 downloads)

© Размещение материала на других электронных ресурсах только в сопровождении активной ссылки

Вы можете заказать оригинальную авторскую работу на эту и любую другую тему.

Контрольные работы в Магнитогорске, контрольную работу купить, курсовые работы по праву, купить курсовую работу по праву, курсовые работы в РАНХиГС, курсовые работы по праву в РАНХиГС, дипломные работы по праву в Магнитогорске, дипломы по праву в МИЭП, дипломы и курсовые работы в ВГУ, контрольные работы в СГА, магистерские диссертации по праву в Челгу.

Здесь вы можете написать комментарий

* Обязательные для заполнения поля
Все отзывы проходят модерацию.
Навигация
Связаться с нами
Наши контакты

vadimmax1976@mail.ru

8-908-07-32-118

8-902-89-18-220

О сайте

Magref.ru - один из немногих образовательных сайтов рунета, поставивший перед собой цель не только продавать, но делиться информацией. Мы готовы к активному сотрудничеству!