Изобразительное искусство Московской Руси

19 Авг 2014 | Автор: | Комментариев нет »

В XV столетии московская живо­пись освободилась от византийского влияния и начался «золотой век» иконописи. Ее расцвет связан с именами Феофана Грека, Андрея Рублева и Дионисия. В это время живопись полна новыми идеями. Мастерство московских иконописцев позволяет говорить о рождении самостоятельной художественной школы, истоки кото­рой уходят в предыдущее столетие.

В конце XIV в. в Москву приезжают многие художники из Византии. Здесь же трудится покинувший Новгород Феофан Грек, к кругу его работ можно отнести икону «Донская Богоматерь» — это двусторонняя икона. На лицевой ее стороне Богоматерь Уми­ление. По сравнению с «Владимирской Богоматерью» икона строже и лаконичнее по композиции, колорит более сдержан. На обороте иконы представлена сцена Успения Богоматери — центрическая строгая композиция. Предельно скупыми средствами передает ху­дожник сцену плача апостолов над телом Марии. Плотные, напря­женные краски подчеркивают драматизм события (9).

По свидетельству летописи последние годы жизни мастер провел в Москве, где в 1405 г. вместе с Андреем Рублевым и Прохором с Городца расписал Благовещенский собор Московского Кремля. Живопись Благовещенского собора Московского Кремля является уникальной не только по своим высочайшим художественным достоинствам, но и потому, что она принадлежит древнейшему из сохранившихся иконостасов русской церкви. В Благовещенском соборе Кремля был выполнен один из первых известных нам русских иконостасов (состоящая из икон стена, отделяющая алтарную часть от основного пространства храма). Он был образован несколькими рядами, из которых первый, нижний, состоит из икон, посвященных темам и святым, наиболее почитаемым в Москве и в Благовещен­ском соборе. Второй — деисусный, то есть включающий персона­жей, объединенных композицией Деисуса — моления. Наконец, третий — праздничный ряд — посвящен событиям из жизни Христа и Богородицы. Ученые определили, что высокий, в несколько чинов (рядов) иконостас возник только к концу XIV в., поэтому можно считать, что это чисто русское нововведение (греческая культура не знала развитых иконостасов).

Помимо росписей московского Благовещенского собора Фео­фан Грек, вероятно, написал в Москве знаменитую «Донскую Богоматерь». Особый колорит иконы создан игрой красок. Мастер оживил обычный в образах Богоматери темно-вишневый цвет ярко-васильковой повязкой около лица. Сами же лики Марии и Младенца написаны энергичными мазками синего, зеленого, белого и красного цветов. Блики, характерные для Феофана, придают чертам внутреннюю экспрессию и одухотворенность.

Под 1405 годом летопись впервые упоминает имя гениального русского художника Андрея Рублева (ок. 1360— ок. 1430). Он назван последним среди мастеров, привлеченных для росписи Благовещен­ского собора, что свидетельствовало о его молодости. Здесь вместе с Прохором с Городца он выполнял иконы праздничного ряда (9).

Второй период в творчестве Рублева, время его зрелости как художника наступает тогда, когда он в 1408 году расписывает Успенский собор во Владимире. Этот ответственный заказ художник выполняет совместно с Даниилом Черным. Из фресок, когда-то покрывавших все стены собора, сохранилась огромная композиция Страшного суда. Композиция широко и свободно располагается в нескольких плоскостях, переходя со сводов центрального и южного нефов на западные столпы. Во фресках Успенского собора во Владимире проявился тот гуманизм, который стал основной чертой творчества великого живописца. Русские типы лиц апостолов отме­чены не только добротой, но и тем особым чувством собственного достоинства, которое характеризовало людей на Руси в этот период подъема национального самосознания.

В Третьяковской галерее находятся три иконы, выполненные для звенигородского собора: «Спас», «Архангел Михаил» и «Апостол Павел». В этих работах лучше всего сохранился красочный слой, и по ним можно представить себе манеру письма художника. Про­светленные чистые краски, тонкая линия рисунка, строгая пропор­циональность черт характерны для этих изображений.

В 1422—1427 годах была создана знаменитая икона «Троица», написанная для каменного Троицкого собора, построенного на месте погребения Сергия Радонежского. Сергий, настоятель Тро­ицкого (затем ставшего Троице-Сергиевым) монастыря, в котором прошла юность Андрея Рублева, был страстным проповедником объединения Руси. Идея единства — основная и в иконе. Она написана в память о преподобном Сергии. Композиция иконы, построенной по кругу, создает настроение торжественного покоя. Центральный ангел благословляет стоящую на столе чашу — символ страданий Христа, его жертвы, принесенной им ради людей. Ангелы склонили головы, объединенные общими чувствами и мыслями. Гармония подчеркивается и цветом. Синий в сочетании с золотом и охрой придает колориту особое благородство. Яркий чистый голубой цвет, или как его называют, голубец, звучит каждый раз по-новому, но особенно интенсивен в центре иконы, сочетаясь с малиновым хитоном среднего ангела.

В конце своей жизни Рублев, возможно, выполнил огромный многорядный иконостас Троицкого собора Троице-Сергиевой лав­ры. Здесь он работал вместе с учениками, которые осуществляли его замысел. Глубокий гуманизм, сила и человечность образов, высокие идеалы, которым он следовал, выразительность его худо­жественных средств поставили Рублева в один ряд с лучшими художниками всех стран и народов. У Рублева было много учеников. Некоторые из икон середины XV в., и среди них «Иоанн Предтеча» (ныне в Музее древнерусского искусства имени Андрея Рублева), удивительно близки его творчеству.

Расцвет живописи конца XV— начала XVI в. связан с творчест­вом замечательного художника Дионисия (ок. 1440—после 1502), самого известного мастера той поры, иконы которого очень ярки и красочны. Почти через полстолетия после Рублева он развивал в своем творчестве те гуманистические идеи, которые так блестяще выразил его гениальный предшественник.

В 1482 году для Вознесенского монастыря Московского Кремля Дионисий пишет икону «Богоматерь Одигитрия» (ГТГ). Он изобра­зил Марию с младенцем Христом на доске старой, испорченной пожаром византийской иконы. Светло-золотистый фон, пурпурный мафорий Богоматери, славящие ее ангелы, ее поза — все служит тому, чтобы подчеркнуть величественность образа. В 1500—1502 годах Дионисий создает свое самое замечательное произведение — фрески собора Рождества Богородицы Ферапонтова монастыря. Расположенный далеко на севере монастырь был небогат, его мало посещали, а потому фрески Дионисия в последующие века никогда не обновлялись. Они почти сохранили первоначальный колорит. Радостное чувство, которое создается чистыми, яркими, но вместе с тем нежными красками, присущими только Дионисию, пронизы­вает все его работы. Дионисий впервые в истории развития'русской живописи вводит в иконы белые фоны. В Ферапонтовом монастыре Дионисий работал вместе со своими сыновьями. Среди компози­ций, покрывающих стены этого небольшого храма, основное место занимает роспись на сюжеты акафист — двадцать пять гимнов, сложенных в честь Богоматери еще в VI в. византийским поэтом Романом Сладкопевцем.

В XVI в. в иконописи появляются изображения исторических деятелей и событий. К таким произведениям можно отнести две парные, одинакового размера иконы, выполненные Дионисием для Успенского собора Кремля: «Митрополит Петр» и «Митрополит Алексей». Обе они представляют собой тип так называемых житий­ных икон. В центре изображается святой, которому посвящена икона. Средники окружают, подобно раме, маленькие композиции с основными житийными эпизодами. Изображения неподвижно стоящих митрополитов близки по своему характеру к парадному портрету. Работы Дионисия отличают огромная сила в передаче настроения, глубокая внутренняя эмоциональность образов (19).

Целая серия своеобразных исторических портретов предстает перед нами в образах царей и князей в стенописи Благовещенского собора Московского Кремля, выполненной сыном Дионисия (1508). Некоторые фоны фресок вместо обычных голубых были позолоче­ны. Эти росписи отличает повышенная декоративность. В них нашла выражение характерная для того периода тема преемствен­ности власти московских князей от владимирских и киевских, а через них и от византийских императоров.

В XVI в. во всех видах искусства шел поиск новых форм. В живописи расширяется круг тем, появляются нецерковные сюжеты из всемирной и особенно русской истории. Иконописцы XVI в. весьма многословны, они ставят перед собой задачу как можно полнее и подробнее разъяснить тему. Композиции перегружены многочисленными деталями, в них много бытовых подробностей, аллегорических персонажей. Многие иконы этого времени — «Ви­дение Евлогия», «Видение лествицы», «Притча о слепце и хромце» — иллюстрируют рассказы-притчи, в которых представители духовен­ства не всегда оказываются положительными персонажами.

Для Успенского собора Кремля в середине XVI в. создается икона под названием «Церковь воинствующая», или «Благословен­но воинство». Она прославляет казанский поход Ивана Грозного, в аллегорической форме воздает хвалу победителям. Икона написана в сдержанной цветовой гамме. Своеобразным величием пронизано движение войска, разворачивающегося не в глубину, а вширь и вверх. В иконе много жанровых деталей.

Повествовательное начало в живописи этого времени находит выражение в распространении житийных икон, а также в книжной миниатюре. В 1560—1570-х годах иллюстрируется грандиозная мно­готомная летопись — Лицевой летописный свод. Он состоит из десяти огромных томов, в которых содержится шестнадцать тысяч миниатюр. Шесть последних томов посвящены событиям русской истории, они особенно насыщены жанровыми сценами. В XVI в. материалом для книги служит не дорогостоящий пергамен, а бумага. Исполненный пером рисунок расцвечивается акварельными кра­сками (9).

К середине XVI в. относится начало книгопечатания на Руси, сыгравшее немалую роль в истории древнерусского искусства. В 1564 году Иван Федоров в своей московской мастерской издал «Апостол» (одна из книг Библии, содержащая Деяния и Послания апостолов). Первые печатные книги украшались гравюрами, часто выполненными по западным образцам.

В иконописи конца XVI— начала XVII в. получило распростра­нение своеобразное направление — так называемая «строгановская» школа (некоторые ее художники работали по заказу Строгановых). К этой школе принадлежали многие иконописцы, среди которых самыми известными были Прокопий Чирин, Истома Савин, его сыновья Никифор и Назарий. «Строгановские иконы», обычно небольшие по размерам, характеризуются тонкой манерой письма, почти ювелирной выписанностью деталей. Изысканная красочная гамма обильно включает золото и серебро. Художники умеют захватить зрителя занимательностью рассказа. Фигуры святых на этих иконах имеют сильно вытянутые пропорции. Они стоят на носках, в движении персонажей много манерности. Святой на иконе обращен не к зрителю, он молится, повернувшись к Богомате­ри, святым или Христу, изображенным в углу иконы в сегменте неба (26).

Монументальная живопись XVII в. переживает несомненный расцвет. Многочисленные храмы в Ярославле, Ростове Великом, Суздале, Вологде и, наконец, в Москве расписываются фресками. Росписи этого времени особенно своеобразны. К ним более всего подходит сравнение с цветистым ковром. Число поясов-регистров увеличивается, а размеры композиций уменьшаются. Тщательная выписанность делает их похожими на произведения станкового искусства, как бы развешанные на стенах храмов. В сценах большое внимание уделяется многочисленным бытовым подробностям. За­медленно развертывается перед зрителем рассказ. Художник стре­мится построить композицию в глубину. Он передает пространство, хотя и несколько условно. Архитектура и пейзаж определяют место действия. Масштабные соотношения фигуры и архитектуры стано­вятся более естественными.

Значительные изменения происходят в иконографии фресок. Изображая сцены из жизни пророка Елисея, художник церкви Ильи Пророка в Ярославле основой композиции делает сцену жатвы, причем показывает ее как работу крестьян в поле. Впервые живо­писцы вводят обнаженные фигуры, проявляя при этом определен­ное понимание пластической анатомии. В это время выдвигается плеяда замечательных живописцев: Любим Агеев, Дмитрий Гри­горьев Плеханов, Федор Евтихеев Зубов, среди которых Гурий Никитин — создатель росписей церкви Ильи Пророка в Ярославле, был одним из наиболее передовых художников своей эпохи (19).

В оформлении храмов особое значение приобретает деревянная скульптура. Памятников этого вида искусства от XVII в. сохранилось довольного много. Скульптура всегда расписывалась, причем теми же темперными красками, которые применялись иконописцами. Обычно фигура святого передавалась довольно плоскостно и была рассчитана на одну главную точку зрения. Среди святых, которых любили изображать русские скульпторы, первое место занимает Никола, по преданию, защитник Можайска. Его изображают с моделью города Можайска в левой руке, в правой у него — меч.

С введением книгопечатания в XVII в. на Руси распространялись листы с гравированными изображениями самого разнообразного содержания. Сначала это гравюры на дереве — ксилографии, а затем уже на металле. В ней ранее, чем в иконах и фресках, стали использоваться светотеневая моделировка и прямая перспектива.

Русская иконопись второй половины XVII в. связана с именем художника, который в своем творчестве сочетал старые традиции с новыми исканиями. Симон Ушаков (1626—1686) был человеком разносторонних интересов. Вместе со своим другом Иосифом Вла­димировым художник смело вводил в изображения элементы ре­альной жизни, многочисленные бытовые подробности. В иконах он последовательно применял светотеневую моделировку, придавая почти скульптурную объемность ликам святых, Христа или Бого­матери.

Ушаков был одним из главных художников Оружейной палаты, которая в XVII в. становится основным художественным центром страны. Она приобретает исключительное значение как школа, занимающаяся подготовкой высококвалифицированных мастеров живописи и прикладного искусства. Лучшие из них остаются при Оружейной палате, выполняя различные государственные и частные заказы. Особенно расцветает деятельность Оружейной палаты, когда во главе ее становится боярин Богдан Хитрово, человек тонкого вкуса и незаурядных организаторских способностей. В Оружейной палате работали не только русские художники. Приезжие мастера часто обогащали творческий опыт русских живописцев, способст­вовали совершенствованию их технических навыков, они знакоми­ли питомцев Оружейной палаты с техникой письма масляными красками, с законами прямой перспективы, с особенностями све­тотеневой моделировки форм. В 1660-х годах здесь трудились армянин Богдан Салтанов, голландец Даниил Вухтерс, грекАлостон Юрьев и другие (19).

Для русских художников этого времени характерен интерес к изображению реального человека, его индивидуальных черт. Порт­рет — первый светский жанр в древнерусской живописи. Ему суж­дено было стать основным уже в следующее, XVIII столетие. В портретах, называемых в это время парсунами (видоизмененное слово «персона»), живописцы стремятся к тому, чтобы как можно точнее воспроизвести внешнее'сходство. Однако в общих принци­пах композиции, в некоторой идеализации образов явно ощутимо влияние иконописного канона.

Передача портретных черт персонажей, внимание к реальному пейзажу, к бытовым деталям, к элементам светотеневой моделиров­ки, обращение к прямой перспективе — все это черты нового, которые еще соседствуют со старыми традиционными формами.

Здесь вы можете написать комментарий

* Обязательные для заполнения поля
Все отзывы проходят модерацию.
Навигация
Связаться с нами
Наши контакты

vadimmax1976@mail.ru

8-908-07-32-118

8-902-89-18-220

О сайте

Magref.ru - один из немногих образовательных сайтов рунета, поставивший перед собой цель не только продавать, но делиться информацией. Мы готовы к активному сотрудничеству!